En ocasiones el espectador que acude a la contemplación del arte contemporáneo, se siente confuso y desconcertado, sin saber muy bien qué pensar sobre lo que está viendo. No es el caso de esta exposición excepcional de la artista catalana Anaïs Aldana, que se muestra en La Casa Amarilla Málaga. No solo porque sus dibujos persiguen el realismo hasta el mínimo detalle, sino también porque la simbología que impregna su obra es cercana y accesible sin perder profundidad ni reflexión, y el espectador enseguida comprende y empatiza.

Analogía de un Desnudo es sobre todo una obra íntima y personal, donde Anaïs utiliza su propia figura para expresar lo que nos identifica a todos como personas sin más. Los desnudos de Anaïs no representan el cuerpo, la cáscara, no son poses forzadas de estudio para destacar la figura femenina como si fuera un jarrón, un ramo de flores o cualquier otro objeto bello; al contrario, la postura sin afectación ni fingimiento huye del convencionalismo de la femineidad. De esta manera, la artista construye su propia identidad, como persona y como mujer, sin estereotipos ni máscaras, mostrando tres momentos de intimidad en los que ser ella misma, y que el espectador identifica con su propia intimidad e identidad.

Una de las características más llamativas de la obra de esta artista es la representación del cabello. El cabello ha sido un símbolo visible desde la antigua Grecia hasta la modernidad, y desde el lejano oriente hasta Lady Godiva. No cabe duda que Anaïs se siente profundamente identificada con este rasgo físico que convierte en parte de su personalidad y de su arte. No sólo representa el cabello de la figura humana de manera minuciosa y dramáticamente realista, sino que también elabora complicados dibujos donde el cabello es el protagonista, donde se convierte en  mar que envuelve, arropa y protege y también en telón que esconde y encubre el lado oscuro y oculto de uno mismo que a nadie se enseña.

Anaïs estudia la identidad a través de la suya propia, traspasando las barreras impuestas por la sociedad, que nos obliga a asumir identidades artificiales que no nos representan; al hacerlo invita a cada observador a reflexionar sobre su propia identidad: la que muestra en público y la que guarda para sí mismo en la intimidad.

«Hago Arte para compartir una parte de mi imaginación con el mundo y para hacer que sonrías»

Ryan McGuire

Harían falta muchas palabras para definir a Juanjo Fuentes, o mejor dicho, podrían utilizarse muchas palabras para definirlo: artista, polifacético, provocador, feliz, amigable, irreverente, coleccionista, creativo, alegre, imaginativo. Su carácter y su actividad artística reflejan continuamente estos conceptos, casi siempre todos a la vez y de forma felizmente caótica. La personalidad de este artista rivaliza con la calidad y la frescura de su obra, tanto la creada como la coleccionada.

Reflejo de lo prolijo de su capacidad creativa son las numerosas exposiciones que han mostrado su obra dentro y fuera de Málaga. De igual modo, también su faceta de coleccionista ha sido reconocida numerosas veces, por prensa y crítica, hasta el punto de realizar una muestra en la que se reproducía fielmente su vivienda y a la que se trasladó toda la obra que tiene expuesta en la misma. Las paredes que rodean su vida cotidiana se llenan de Arte, con elementos propios y ajenos, provenientes de objetos comprados en sus viajes, regalos, intercambios con otros artistas, hasta conseguir una cámara de las maravillas que se complementa perfectamente tanto con su espacio doméstico como con su personalidad.

La dilatada trayectoria de Juanjo Fuentes y su resistencia al aburrimiento han hecho que trabaje numerosas técnicas artísticas: pintura, escultura, cerámica, vídeo, arte urbano, mural, ilustración, collage, incluso costura. Pero si algo se destaca entre sus últimas creaciones son los dioramas, escenas en miniatura que reflejan su pasión por la vida, el ansia por transmitir su alegría y poner una sonrisa en la cara del espectador.

Actualmente coinciden exposiciones en Málaga que muestran sus dos facetas. Casa Sostoa presenta, en su habitación de invitados y comisariada por Pedro Alarcón, una parte de la colección basada en la figura de San Sebastián que Juanjo Fuentes atesora como coleccionista. Por otro lado, con motivo del MaF, la Galería-Taller Gravura sirve de escenario para mostrar una sucesión de dioramas que homenajean al cine, como dice el propio artista, «a mi manera«, una visión personal del séptimo arte y alguno de sus iconos.

En el fondo, la desbordante personalidad y la capacidad creadora de Juanjo Fuentes nos revelan escenas irreverentes, eróticas y provocadoras que el artista presenta para sobrevolar la aparente seriedad del mundo y mostrar lo absurdo de tantos comportamientos y normas sociales, para darnos cuenta de la necesidad de tener una mirada más sencilla y sin tantos prejuicios sobre lo que nos rodea.

En el arte conceptual, el significado cobra más importancia que la formalización de la propia obra, por lo que lo difícil es saber cuándo detener las ideas a transmitir para permitir su plasmación final. Lawrence Weiner, a modo de un escultor, pule las palabras para concretar esa idea que se trasluce tras las mismas, afina el significante para obtener el significado más puro y claro.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el vídeo “Nothing To Lose (The Book)” del año 2000, en el que se unen fotografías en blanco y negro con las características estructuras lingüísticas de este autor conceptual.

Este escultor de palabras, como a él le gusta definirse, utiliza el lenguaje como materia prima que ir moldeando para conseguir imprimirle un significado especial y personal. Las letras, como unidad elemental, se unen para formar palabras y frases en un estado de igualdad, a lo que contribuye la utilización solamente de mayúsculas, reforzando la sensación de pertenencia a un conjunto, primando lo general a lo particular.

En el momento que se entiende la acción artística como la creación de un elemento en el que volcar un sentimiento por parte del autor y que provoca una reacción en el espectador, Lawrence Weiner considera sus «construcciones» equivalentes a esculturas o pinturas tradicionales. De esta forma, la relación entre artista y espectador se produce por medio del lenguaje, el cual es capaz de transmitir de igual forma que cualquier otra obra artística.

Las vivencias personales son casi siempre la base de la obra de un artista. Cuando dicha obra se presenta, en un primer vistazo, como un mundo fantástico e imaginativo, nos retrotrae a la infancia y nos da ciertas claves de su origen.

Varios traslados de residencia en su niñez hicieron crecer la introversión y el imaginario interior de Mark Ryden, hasta el punto de crear un universo propio y personal que, con el tiempo, ha ido trasladando a su obra. A este imaginario se han ido sumando elementos con los que el artista ha entrado en contacto a lo largo del tiempo y todo este conjunto se ha formalizado para representar, sin criticar pero «desde múltiples perspectivas«, la realidad existente, la sociedad en la que le ha tocado vivir.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ha conseguido presentar una retrospectiva de Mark Ryden por primera vez en Europa, lo que da lugar a ver la importancia de la muestra, más si cabe cuando el artista considera esta exposición como una de las más importantes de su trayectoria. También importa la diversidad de piezas, de gran y pequeño formato, en solitario o formando combinaciones en su exposición al público, con piezas tanto de pintura como escultóricas, una variedad que refleja la extensión e importancia de la trayectoria de Mark Ryden, por la que es mundialmente conocido.

Merece la pena sumergirse en estas obras, primero de todo para apreciar la capacidad técnica de las mismas, complementada por la perfección y complejidad de sus marcos, pero también para perderse en los numerosos detalles que las componen y que continuamente enriquecen el significado de lo representado. La tenue iluminación favorece la sensación de pertenecer a un mundo imaginado repleto de figuras y personajes que parecen cobrar vida para desarrollar la trama de un cuento ante nuestros ojos.

Nostalgia, sentimiento, melancolía pero también oscuridad, psicología, simbolismo son conceptos que continuamente aparecen y se plasman en la obra de Mark Ryden, y a los que no teme el artista; simplemente se sirve de ellos y los hace depender de la imaginación. Lo importante es dar vida a esa visión alternativa, convirtiéndola en una obra de belleza indiscutible.

“Los hombres despiertos no tienen más que un mundo pero los hombres dormidos tienen cada uno su mundo”.

Heráclito

El estado de relajación en el que nos sumerge la hipnosis permite la eliminación de barreras y la percepción real de lo ocurrido, de lo experimentado, un momento que se torna más real y que convierte en sueño a la realidad que nos rodea. Esa realidad oculta es lo que quiere mostrar la artista Gema Casas con sus obras, mezcla de fotografía y radiografía, en las que busca expresar un estado emocional intermedio que enseña lo que es auténticamente real para la percepción, un mundo paralelo más allá de lo aparente.

La artista da paso a esta concepción personal a través de una sucesión de piezas que se disponen en la exposición 7-14 DEL NO ESTADO, en la Galería de Arte del Colegio de Arquitectos de Málaga, que organiza y comisaría La Casa Amarilla Málaga. Este fantástico espacio se adapta perfectamente a la diversidad de obras, de forma que cada sala adopta un carácter propio y permite al espectador sumergirse totalmente en las piezas expuestas.

Muchas de las obras transitan el camino entre la fotografía (o radiografía) de partida y el objeto artístico final, obteniendo una tridimensionalidad que los dota de significado. Así, Gema utiliza distintos materiales para dar un sentido más completo a la obra (madera, acero, metacrilato), dando una componente táctil a los objetos e incrementando la sensación de desasosiego que transmiten sus piezas. Por si fuera poco, la exposición se complementa con un fantástico fotolibro que muestra en detalle las imágenes expuestas.

La mutabilidad de significado se incrementa con el tratamiento de la luz en las “cajas” metálicas retroiluminadas o en la holografía, pero también en las piezas móviles y en su sucesión a lo largo de la pared de la sala. Al pensar en la muestra al completo te acomete la duda de si ese mundo que muestra la artista puede estar en la cabeza de una sola persona o pertenece, de forma compartida, a la visión de todos nosotros.

Han sido numerosos las culturas y los artistas que han dado importancia a la geometría, especialmente en el siglo XX, a partir de las vanguardias. De esta forma, ese gran elenco de referentes se convierte en la base de cualquier investigación sobre el uso de la geometría y va engrosando este conocimiento que une ciencia y Arte. Es más, para el artista, esa geometría que subyace a todo debe ser entendida y representada, pero de forma personal, de modo que, a partir de ella, haga su particular representación del universo.

A través de un mundo geométrico de líneas y formas de colores, la obra de Aida Florido entra por los ojos y explota en el corazón. Pero ese acercamiento necesario a su Arte consta de un proceso que te transforma, porque te hace pasar de la sencilla (que no simple) forma, a las leyes que subyacen en la obra, a los patrones que marcan la morfología de todo lo que nos rodea.

Este es el universo de Aida Florido, o su forma de representarlo, o su visión del mundo. Así se nos presenta en la exposición GEOMETRÍA TRANSFRONTERIZA, en La Casa Amarilla Málaga. Y, para ello, utiliza medios tan distintos como la materialidad de la madera y la ingravidez del vinilo, de colores transparentes. Materializa su obra en formas y volúmenes definidos junto a esquemas geométricos planos, pero teniendo que verse ambos bajo el prisma de color de la transparencia que produce la luz al pasar por una de sus composiciones, como un caleidoscopio que evoluciona según la hora, reflejando la mutabilidad de lo que nos rodea, en continuo cambio.

La artista siente la necesidad de indagar en esa geometría tan presente en la historia del Arte y se sumerge en su exploración hasta sus bases, buscando su esencia, su ser, su sentido. Para Aida Florido, como para tantos otros artistas antes que ella, la geometría es más que un medio, es la plasmación del sentido del todo, porque en todas las cosas pueden encontrarse esas bases geométricas que constituyen el universo y que nos unen a todos, independientemente del tiempo y del espacio. Ah … y de las fronteras.

“Quien no comprende una mirada tampoco comprenderá una larga explicación”

Proverbio árabe

La labor de un artista de retrato es hacer un análisis psicológico del modelo para ser capaz de captar su personalidad y transmitirla, reflejada o plasmada, con un estilo más o menos personal, en el soporte.

Rafa Mir no se queda ahí. En su constante búsqueda, consigue transmitir algo más difícil, el carácter, de forma que, cuando te enfrentas a una de sus obras, te acomete la sensación de conocer al retratado, de saber incluso cómo es esa persona. Aún es más, este artista, con su personal visión y estilo, se suma al modelo y pasa a formar parte de la obra, se refleja en ella y se nos muestra también a sí mismo.

El arte que caracteriza a Rafa Mir se basa en su afán continuo de aprendizaje, en su búsqueda de estilo personal y en un proceso de reinvención continua que busca el perfeccionamiento y persigue encontrar su lugar, su técnica, su modo de representación.

La exposición, situada en la sala de exposiciones de la malagueña Escuela de Arte San Telmo y comisariada por Cayetano Romero, nos permite disfrutar de la escasamente mostrada obra de este artista, formado en esta misma escuela, y nos muestra una variedad de rostros de alumnos y profesores con los que podemos coincidir en cualquier visita a este espacio. Así, esta suma de retratos presentados se convierte, también por el lugar en que se exponen, en la representación del espíritu de la Escuela de Arte San Telmo, una escuela que vive por y para el Arte.

En la necesaria pausa y tiempo que requiere ver las distintas obras, es digno de admirar la capacidad por parte del artista de controlar, de poner al servicio de su búsqueda, tal cantidad de técnicas y soportes distintos. Con cada nuevo modo de representar, encuentra y nos enseña un nuevo modo de mostrar y un nuevo modo de ver, mientras la técnica se adapta al carácter de la persona que se pretende mostrar.

Del mismo modo, al servirse de soportes volumétricos, la pintura (tanto de forma física como simbólica) también se apropia de ese volumen y nos invita a “recorrerla” en el espacio, sale de las paredes para ponerse a nuestro alcance, para entrarnos por los ojos, para enfrentar esa mirada representada con la nuestra.

“Una parte de cada vida, y aun de cada vida insignificante, transcurre en buscar las razones de ser, los puntos de partida, las fuentes”

Marguerite Yourcenar

Tres espacios de exposición en penumbra y tres obras: una obra escultórica, una obra audiovisual y una obra fotográfica; y las tres obras, incluso la fotográfica, se desarrollan espacialmente, buscan apropiarse del entorno que las rodea y dialogan entre sí. Aún es más, cada obra se desdobla, dos elementos verticales, dos lados de la pantalla de proyección (con sus espejos respectivos) y dos paredes en ángulo.

Todos estos elementos se encuentran presentes y definen someramente la exposición The space in between, de Moreno&Grau (Alba Moreno y Eva Grau), en la galería malagueña Isabel Hurley. Pero hay mucho más. El paso de la identidad individual a la identidad como colectivo sigue siendo la base del proceso creativo de las autoras y las obras expuestas circulan alrededor de esta idea de transición, de crecimiento a partir de la relación entre las partes.

La instalación escultórica (“The inner room”) establece un diálogo entre los elementos que la componen, dos faros con mensajes en código morse que ejemplifican el enfrentamiento y la oposición de conceptos, y la necesidad de unión para generar algo nuevo:

– there is no energy without opposites

– day and night

– birth and death

– joy and pain

– reason and energy

La obra audiovisual (“Return. Forever”) establece un diálogo entre el vídeo y el reflejo, entre las aguas descendiendo y ascendiendo, entre los distintos ramales del río que se unen, tanto los reales como los reflejados, para pasar a formar parte de un todo mayor y más completo.

La obra fotográfica (“The old world is burning”) establece un diálogo entre las fotografías antiguas y las nuevas, entre montañas y oquedades, entre el fuego y el hielo de Islandia, entre la luz y la oscuridad.

The space in between aparece como ese espacio de diálogo y relación. Los elementos que dialogan se funden en un solo significado, aportando cada uno su propia individualidad y superando su enfrentamiento. La individualidad cobra sentido en su diálogo con el otro, en su defensa del entendimiento frente al ego.

A su vez, la tecnología que Moreno&Grau utilizan en su obra se convierte en poética al representar y dar protagonismo a la naturaleza, con una necesidad de comunicación cercana, de esa proximidad a las obras que hace falta para dialogar con ellas y para que te envuelvan en su apropiación del espacio.

Cada cierto tiempo surge en el mundo del Arte algún personaje que se caracteriza por su especial inconformismo, aunque creo que esta característica está, o debería estar, en toda persona que desarrolla una actividad creativa.

El artista uruguayo Joaquín Torres-García llevó ese inconformismo como una bandera que defender a lo largo de toda su vida. Esta filosofía le hizo producir en numerosas técnicas, desde pinturas a esculturas e incluso juguetes, a desarrollar un grupo artístico que defendiese sus ideas (Cercle et Carré, con Piet Mondrian), a recorrer los principales centros creativos europeos de su época y a, finalmente, volver a su tierra natal para defender su concepción del Arte y dedicarse a su enseñanza.

El Universalismo Constructivo que creó y defendió vehementemente representa su necesidad de producir un Arte a la vez personal y universal, de mezclar (en el sentido exacto de “Juntar, unir, incorporar algo con otra cosa, confundiéndolos”, que define la RAE) sus principios artísticos y sus raíces sudamericanas y precolombinas, en la búsqueda de un Arte único, común a todos.

El desarrollo de la exposición de Torres-García en el Museo Picasso Málaga, de forma cronológica, permite seguir la evolución de su estilo a lo largo del siglo XX, influenciado por sus desplazamientos y relaciones con distintos artistas y movimientos de vanguardia que se desarrollan en Europa en esos años, y su culminación, con su regreso a Montevideo y la inclusión de motivos precolombinos en sus obras. Incluso puede apreciarse la relación que el autor tuvo con artistas españoles como Pablo Picasso, Josep Maria Sert o Antoni Gaudí.

En definitiva, el Museo Picasso Málaga presenta una exposición temporal, comisariada por Luis Pérez-Oramas, que tanto por su contenido como por su densidad exige varias visitas para dejarse envolver por el Arte de Torres-García y deleitarse en la evolución, la complejidad y los detalles de sus obras.

“Nada hay en la mente que no haya estado antes en los sentidos”

Formas de enfrentarse al Arte hay (y debe haber) tantas como personas que se sitúan ante una obra artística pero, en este caso, podemos recomendar que la actitud adecuada para enfrentar esta exposición es anteponiendo los sentidos a cualquier juicio racional.

María Vera nos presenta, en la galería malagueña ColumnaJM y comisariada por Javier Bermúdez, una “Luz silenciosa” que nos remite a una naturaleza descarnada, tanto física como emocionalmente, descargada de ornamentos y llevada a una esencia que es la impresión primera que deja la percepción sensorial. Las piezas expuestas se disponen de una forma dinámica que, junto a la leve iluminación, nos guían por el recorrido escogido por la artista, para irnos sumergiendo en el mundo que trata de describirnos y nos hace partícipes de ese descubrimiento que se nos da a medida que abrimos nuestros sentidos. De esta forma, el estado emocional que nos embarga se extiende como una manta sobre el análisis lógico y permite que la obra cale, que la especial iluminación nos lleve a un mundo pretérito, que la naturaleza se presente y se perciba como base de todo.

La sala ColumnaJM que proporciona GaleríaJM es especialmente adecuada para esta percepción ya que, gracias a su configuración y a sus dimensiones, potencia el aislamiento que transmite la obra, dando la sensación de que las propias piezas absorben el espacio y nos atraen irremisiblemente hacia ellas.

Una palabra ausente, esquiva, que es buscada incluso por parte de su obra.

Cayetano Romero, en su exposición en La Casa Amarilla, se presenta por medio de su ausencia, reflejada en algunas de las obras que pone ante nuestros ojos. Nos plantea ese juego que es el de la falta de respuestas ante las preguntas que todos nos hacemos, la necesidad que nos autoimponemos de saber el final, el qué vendrá. Pero, del mismo modo, su obra nos invita a reflexionar sobre el principio del camino, sobre superar el miedo al papel en blanco, al qué será.

Las figuras cerámicas de la exposición llevan “tatuadas” (o cosidas) las palabras o símbolos que han acumulado en su búsqueda, mientras otean en equilibrio. Transmiten la sensación de pérdida de rumbo (o de realidad, con las ovejas persiguiendo al lobo) que se da ante la inseguridad del camino, ante el siguiente paso a dar.

La búsqueda convertida en sentido de la vida nos empuja a considerar que tal vez no sea tan importante el objetivo sino el camino que se recorre y más el cómo que el porqué.  

708 farolillos, de color rosa oscuro y forma de flor de loto, y cánticos tibetanos, gregorianos e islámicos.

La exposición de Kimsooja en el CAC Málaga nos presenta ‘Lotus: Zone of Zero’, “un espacio donde las personas de distintas ideologías, de diferentes religiones y sensibilidades pudieran convivir en armonía”, como ella misma lo definía tras su creación en 2003, en el comienzo de la guerra de Irak.

Esta artista siempre ha trabajado sobre la idea de relación entre las personas, independientemente de su nacionalidad, y sobre la importancia de la igualdad entre los seres humanos. Este lugar (físico y mental), aunque pierde un poco de fuerza al pasar del círculo original al rectángulo actual para adaptarse al espacio, unido a la música, transmite la necesidad de detenerse, olvidar los conflictos y pensar en lo que nos une.

En 2012, con motivo de los Juegos Olímpicos de Londres, presenta la videocreación ‘To Breathe – The Flags’, con las banderas de los estados participantes, que posteriormente amplía con el resto de países del mundo. Las banderas se superponen en una sucesión sin fin en la que no sabemos cuándo empieza una y termina otra. La explicación de Kimsooja lo dice todo: “Las trabajo quitándoles la identidad, como si fueran una sola bandera de un solo país, por eso están todas, incluso las prohibidas en determinadas zonas, como la bandera de Corea del Norte, que está prohibida en mi país”.

Esa búsqueda de lo que es el ser humano en su esencia y lo que debe llegar a ser, entendiendo la identidad dentro de la necesaria igualdad de todos, es lo que invita a reflexionar, a meditar, sin prisa, en estas creaciones en las que el tiempo se detiene.